-
Коллекция Андрея Комарова
Один из разделов коллекции Андрея Комарова – собрание работ Ф.В. Семёнова-Амурского. Оно включает в себя более 50 произведений живописи и графики художника. Среди произведений, находящихся в собрании – знаменитый «Пейзаж с собаками» 1966 года и «Натюрморт с фараоном» – замечательное, редкое сохранившееся произведение Ф.В. Семёнова-Амурского довоенного периода.
-
коллекция Стеллы и Вадима Аминовых
Коллекция Стеллы и Вадима Аминовых существует более 10 лет. Собрание включает произведения живописи, скульптуры и графики России ХХ века. Его основную часть составляют произведения поставангарда, то есть работы 1920-х – 1930-х годов, но также представлены мастера начала столетия и современное искусство. Украшением коллекции являются произведения Михаила Ларионова «Красная фабрика», Бориса Григорьева «Сон акробата», а известное произведение Леонида Чупятова «Рабочий», экспонировавшееся на знаменитой выставке «Москва-Париж», является одним из знаковых в искусстве первой трети ХХ столетия.
-
-
ЮниКредит Банк
Коллекция ЮниКредит Банка – первое корпоративное собрание произведений живописи, графики и скульптуры русских художников 1920–1930-х годов. Начало ее формирования относится к 1993 году. Идея составления коллекции была продиктована стремлением Банка участвовать в актуальных культурных программах современности. Выбор темы обусловили следующие соображения: - искусство двадцатых-тридцатых годов на протяжении всего ХХ столетия оставалось некой terra incognita, скрывающейся в тени авангарда и таящей множество неизвестных фактов истории культуры; - это искусство представляло собой явление, наполненное драматическим содержанием. Имена и судьбы многих художников, сыгравших первостепенную роль в истории русской культуры, на многие десятилетия оказались вычеркнутыми из нее. В конце ХХ века значение их творчества стало проявляться с абсолютной очевидностью. В возвращении произведений этих авторов в повседневную жизнь общества Банк видел и свою задачу; - искусство двадцатых-тридцатых годов было платформой независимой, альтернативной культуры в России. Ее демократичная направленность и гуманистический потенциал воспринимаются как особенно важные смыслы именно в конце ХХ – начале XXI столетия. Несмотря на скромный формат коллекции, собранные в ней произведения обратили на себя внимание специалистов и получили их высокую оценку. Мы с гордостью представляем работы Александра Древина, относящиеся к позднему периоду его творчества. В пейзажах армянского цикла в полной мере проявляется высокая степень эмоциональной напряженности, выраженная через динамичную композицию картин и мощный, волевой живописный жест автора. Особое место занимает «Натюрморт с охотничьей сумкой и ружьем» Надежды Удальцовой, имеющий аналог в собрании Государственной Третьяковской галереи. Живописные пейзажи Александра Лабаса, созданные им на берегу Черного моря в середине тридцатых годов, передают присущее художнику характерное ощущение пространства – распахнутого и всегда остающегося частью бесконечного космоса. Большое произведение Даниила Черкеса «Женщина в веках» – окончательный вариант работы «Женщина в маске», находящейся в собрании Музея изобразительных искусств города Нукуса и являющейся одной из важнейших в творчестве художника. «Сон» Леонида Чупятова, ленинградский пейзаж Леонида Зусмана, «Натюрморт с лимоном» Льва Жегина и произведения Василия Коротеева характеризуют различные течения в русской живописи XX столетия и, вместе с другими работами из собрания Банка, позволяют составить представление о русском искусстве первой половины прошлого века. Логика искусства двадцатых-тридцатых годов – открытость в диалоге как с прошлыми, так и с последующими направлениями художественной культуры. Следуя этой логике, коллекция Банка пополняется произведениями художников, прошедших школу поставангарда и позже – в сороковых, пятидесятых, шестидесятых годах – создававших работы, созвучные с самыми высокими профессиональными и нравственными вершинами культуры начала ХХ века. Сегодня искусство XX века видится как размышление о времени, культуре и обществе, о том, что могло сделать и чем могло стать искусство в новом, быстро меняющемся мире. Русское искусство обогатило его опытом нравственной ответственности и абсолютной ценности духовной свободы человека.
-
Собрание UniCredit: Новые поступления
В 2012 году собрание UniCredit банка пополнилось несколькими произведениями Бориса Петровича Чернышева (1906-1969)
-
-
Собрание UniCredit: Новые поступления 2013
В 2013 году московское собрание ЮниКредит Банка пополнилось произведениями В.Л.Храковского (1894 — 1984), М.Б.Казанской (1914 — 1942) и Г.В.Костюхина (1907 — 1991). Выбор работ этих мастеров в полной мере отражает цели и направление развития коллекции ЮниКредит Банка: история русского искусства предстаёт в нашем собрании не как повторение общеизвестных фактов, но как поле исследований и открытий. Особенность русского искусства ХХ века заключается в том, что в его истории слишком много белых пятен, и чем внимательнее мы вглядываемся в них, тем яснее становится, что в значительной мере сама история русского искусства после авангарда — это большое белое пятно. До той поры, пока мы некритически относимся к набору фактов, назначенных самим двадцатым веком представлять его историю, от нашего взгляда остаётся скрытым нечто значительное и способное изменить наше представление о русском искусстве и содержании отечественной культуры минувшего столетия. В обезличенно-обобщённом ландшафте времени всё ещё мало различимы реальные фигуры живых людей, а это лишает живого смысла реальность истории и культуры. История — это не та реальность, о которой рассказывают нам, но то, что рассказываем мы, то, что мы слышим и чему отвечаем, создавая свою культуру. Поэтому в истории искусства очень важно не потерять личность каждого художника, расслышать каждый голос, звучащий среди других голосов и научиться различать смыслы, звучащие в пространстве культуры и сохраняющие его полифонию. Это история художников с яркой индивидуальностью, с интересными, трудными, иногда трагическими или как будто бы вовсе стёртыми судьбами. Их творчество сегодня привлекает к себе особое внимание. Очень важно за фасадом написанной истории разглядывать в прошлом реальные события и считывать их действительное содержание; очень важно не ограничиваться простым принятием задекларированных однажды и будто бы раз и навсегда установленных смыслов и иерархий. Изучение истории в наши дни всё больше становится похожим на археологию — мы работаем не с описаниями прошлого, а самой скрытой реальностью — произведениями искусства; они обращаются к нашему времени и звучат живыми голосами, открывая перед нами смыслы культурных событий этого близкого и всё ещё касающегося нас времени. Культурная реальность многослойна. Слой за слоем мы открываем перед собой реальность искусства ХХ века и стремимся называть по именам мастеров, создавших самобытное искусство России прошедшего столетия.
-
-
Собрание UniCredit: Новые поступления 2013
Цель художественной программы ЮниКредит Банка — исследование искусства России ХХ столетия и возвращение в культурное пространство настоящего времени живого содержания тех событий художественной жизни 1920-х — 1930-х годов, которые многие годы оставались скрытыми под наносным слоем тенденциозных описаний эпохи. Работы Арсения Леонидовича Шульца не только стали открытием нового мастера, но и помогли уточнить особенности формирования языка русского искусства рубежа второго-третьего десятилетий прошлого века. Намерение этого искусства прямо противоположно загромождающим действительность памятникам большого стиля. В то же время, именно острое чувство стиля автора этих рисунков открывает дорогу иронии и абсурду, эта эстетика расширяет пространство бытия, наполняет его и в нём противостоит политике фасадной культуры, всему, что ограничивает наше понимание исторической реальности. Художественное наследие Арсения Леонидовича Шульца (1910 – 1976) стало фактом истории культуры России всего несколько лет тому назад, в 2005 году, когда был открыт архив его вдовы, Адели Павловны Шик. Таким образом, уже в новом тысячелетии в историю вернулось имя художника, чья жизнь могла бы стать метафорой искусства России двадцатого века: яркие ранние годы, многообещающая творческая молодость, ожидания огромных свершений, а в реальности – жизнь, истраченная на борьбу за физическое выживание, и зрелые годы, в которые человек мечтает реже вспоминать о прошлом и счастлив тем, что обретает покой. Это грустная история, о которой не думает зритель, когда открывает для себя ироничные и дерзкие работы мастера. Почти всё творческое наследие А.Л.Шульца – это рисунки, созданные художником в период между 1928 и 1932 годами, то есть, это работы очень молодого и многообещающего автора, которому не суждено было стать тем, кем он мечтал стать. И в этом одна из особенностей всей истории искусства России ХХ столетия – самые ценные явления в этой истории не находятся на поверхности, долгие годы они бывают скрыты наслоениями ценностей фасадной культуры, парадов и демонстраций. Арсений Леонидович Шульц родился в Таллине 23 декабря 1910 года. Учился в Москве на Землемерных курсах, закончил их в 1929-м. В 1924 – 1925 годах посещал известную в Москве студию Д.Н.Кардовского, прекрасного педагога и профессора Вхутемаса. Во время учёбы на курсах увлекался театром и принимал участие в деятельности театральной студии; входил в редакционную коллегию курсовой газеты и самостоятельно занимался оформлением здания, в котором размещались курсы, к революционным праздникам. Будучи совсем молодым человеком, в семнадцати – восемнадцатилетнем возрасте, А.Л.Шульц уже сотрудничал с издательствами, газетами и журналами. Профессиональное образование художник продолжил сначала на рабфаке Вхутеина, а после – с 1933 года – в разместившемся в том же здании Вхутеина Московском Архитектурном институте. После окончания МАРХИ работал в архитектурной мастерской, занимался журнальной и книжной иллюстрацией; тогда же приступил к исследованиям новых технологий в области печатной графики, получил несколько авторских свидетельств. А.Л.Шульц увлекался фотографией, в архиве художника сохранились снимки, сделанные им в конце двадцатых – начале тридцатых годов; на многих запечатлена Адель Павловна Шик, ставшая в 1932 году его женой. А.Л.Шульц в то время проживал в доме 12 по Глазовскому переулку, недалеко от Смоленского рынка, а Ада занимала квартиру в доме 6 на Остоженке. Пешком от одного дома до другого было идти не больше десяти минут. Он писал ей письма с рисунками, назначая свидание, фотографировал её, рисовал её портреты. Адель Павловна дважды возвращала его к жизни – после войны, когда он вернулся домой, перенеся тяжёлый тиф, и после лагерей, в 1956. 8 августа 1948 года А.Л.Шульц был арестован, содержался во внутренней тюрьме МГБ, а в мае 1949 осуждён по статьям 17-58-8, 58-10 и 58-11 особым совещанием при МГБ СССР и сослан. А.П.Шик сохранила и небольшое художественное наследие А.Л.Шульца. В последние двадцать лет жизни А.Л.Шульц работал как художник книги, как правило, занимаясь иллюстрированием приключенческой литературы. В собрании ЮниКредит Банка находится 11 рисунков А.Л.Шульца, среди которых ранняя работа «Танцующая пара», отражающая увлечение А.Л.Шульца экспрессионизмом, листы «Перед театром» и «Пасьянс», выполненные молодым художником в рамках учебной программы рабфака Вхутеина и лаконичный и стильный гротеск «На корте». Карикатурность рисунков А.Л.Шульца 1928 – 1932 годов отражает не столько комический смысл, присущий всякому времени, сколько абсурдность, стоящую за фасадом монументальной истории. Художник не высмеивает реальность, он сторонится попыток представить её как историческую целесообразность. Он размышляет об абсурдности самого человеческого существования, которое современная массовая культура пытается реабилитировать, приписывая ему рациональное содержание, обеспечивая его идеологической обоснованностью, политическими платформами или экономической заинтересованностью. В самом почерке и самой форме художественных произведений А.Л.Шульца отражается намерение и смысл его творчества: маленькие чёрно-белые шаржи, иллюстрации и карикатуры А.Л.Шульца не только снижают пафос высказываний современного ему официального искусства, заявляя, что существует искусство, не стремящееся к власти, не ставящее целью движение навстречу власти, не служащее демонстрации власти; они опрокидывают популярные иерархические культурные схемы, декларируя демократические смыслы и формы творчества, адресованого аудитории, готовой к вступлению в диалог с искусством, сам язык которого означает реальность культуры ХХ века, существующей вне и помимо власти.
-
Собрание UniCredit: Новые поступления 2014. Александра Григорьевна Кольцова-Бычкова (1892 — 1985). Работы на бумаге
Александра Григорьевна Кольцова-Бычкова известна в первую очередь как художник декоративно-прикладного искусства, в 1920-х — автор эффектных абстрактных декоративных панно, выполненных в лоскутной технике с использованием приёмов аппликации и вышивки. Закончив в 1916 году Строгановское Центральное художественно-промышленное училище, она с 1918 года продолжила образование в Свободных Государственных художественных мастерских. Во время учёбы зарабатывала на жизнь шитьём, а в 1924 году организовала мастерскую художественной вышивки при бирже труда и в течение двух лет собирала вокруг себя художниц и мастериц, делавших модную одежду, шляпы, аксессуары и различные предметы домашнего обихода. Новая и совершенно особенная страница в биографии Александры Григорьевны Кольцовой-Бычковой открылась 28 августа 1928 года, когда она по направлению Народного Комиссариата просвещения уехала в творческую командировку в Париж. Следующие четыре года стали для художницы временем настоящего творческого успеха и радости жизни. Она много выставлялась и много работала как художник-оформитель, сотрудничала как с советским торговым представительством, так и немецкими и французскими издательствами и компаниями, в том числе с известной маркой Hermès, для которой выполнила серию эскизов спортивной одежды. Особое внимание вызывает созданный в течение этих четырёх лет «Парижский цикл» картин и рисунков, включающий в себя около 150 произведений. Только незначительная часть работ посвящена архитектурной среде Парижа; его улицы, дома, дворы, мосты и набережные могут быть прекрасны, таинственны и живописны, но московскую художницу интересуют его жители, парижане, её привлекает и волнует поток жизни этого удивительного города, та жизнь, которой теперь живёт она сама. Она приехала в Париж не затем, чтобы наблюдать его со стороны, а чтобы стать его частью. Её радует атмосфера напитанной электричеством парижской ночи и суета быстро бегущих дней. В произведениях А.Г. Кольцовой-Бычковой столица искусства эпохи ревущих двадцатых оживает сотнями фигур и силуэтов людей, наполняющих её бульвары, рынки, театры и рестораны, ожидающих, встречающих, разглядывающих друг друга, спешащих, разговаривающих, наслаждающихся жизнью или продающих её. Работы по-разному окрашены эмоционально и отсюда — различия в интонациях авторского сообщения; иногда в них звучит нота печали, и может быть, даже отчаяния, но чаще и прежде всего в них звучит смех. И в этом особенность работ А.Г. Кольцовой-Бычковой, особенность языка искусства, на котором в это время говорит художница. Смеются персонажи её картин и рисунков, смеётся она сама. Смех разный — счастливый, саркастический, усталый, но этот смех не ограничен сатирой, сатирическим смыслом, в нём как будто не звучит ни осуждения, ни насмешки, хотя он может быть очень острым. Смех — это особая форма толерантности, принятия жизни такой, какая она есть. В смехе, в иронии художница остаётся самой собой и не позволяет себе исчезнуть в захватывающих её опасениях и антипатиях, а, тем более, в чужих оценках и общепринятых правилах. Она не разрешает своим живым эмоциям отступить перед шаблонным восприятием событий внешней среды, а своим открытиям мира превратиться в утверждение предписанных норм. Смех — не такое частое явление в изобразительном искусстве, и его звучание в работах А.Г. Кольцовой-Бычковой — очень ценный опыт для отечественной культуры. Заставляя повторять слова Франсуа Рабле, эти произведения непосредственно обращаются к гуманистическому измерению смысла творчества: Среди мучительных терзаний века: Доступней смеху, а не плачу слово, Затем, что смех есть свойство человека! Среди произведений А.Г. Кольцовой-Бычковой, находящихся в собрании ЮниКредит Банка, особого внимания и разговора заслуживает лист 1931 года с изображением молодой женщины в шляпке. Характерный поворот головы, яркие синие глаза и подчёркнутая горбинка на носу модели, а также сопоставление изображения с многочисленными известными автопортретами художницы, позволяют высказать предположение, что это тоже автопортрет, и действительно, именно так и в таком ракурсе она часто изображала себя. Однако на выставке 2008 года в московской галерее «Улей» и в изданном к ней каталоге работа фигурировала под названием «Парижанка с синими глазами» и даже с вариантом «Портрет дамы с синими глазами». Очевидно, что это не авторское название. В монографии М.С.Медведевой 1997 года работа называется «Француженка». В этом варианте названия появляется интересный смысл: здесь слышится ироничное обращение художницы к самой себе, так она называет себя и счастливо подсмеивается над тем, как вдруг изменилась её жизнь, жизнь москвички в первом поколении из совсем небогатой семьи вчерашних деревенских, встретившихся в Москве. Теперь она — «француженка», и это почти прозвище, так могут называть её муж и близкие друзья из России, ставшие свидетелями этих удивительных перемен. Но ведь она не относится ко всему, что происходит, и к новой себе всерьёз; она сохраняет способность наслаждаться этими событиями, в то же время как будто наблюдая за ними с другой точки зрения; в отношениях с новой реальностью она сохраняет всегда некоторую дистанцию, оставаясь немного в стороне, понимая, что в происходящем очень много игры обстоятельств, которые легко могут перемениться не в её пользу. «La danseuse noire» или «Портрет танцовщицы Жозефины Бейкер» — исключительно редкое в русском искусстве (и уже поэтому вызывающее исключительный интерес) изображение Жозефины Бейкер — звезды La Revue Nègre и Фоли-Бержер, «чёрной Венеры» двадцатых годов, танцовщицы, исполнительницы эпатажного Banana dance, певицы, актрисы, культовой фигуры парижской художественной жизни эпохи «entre deux guerres». А.Г. Кольцова-Бычкова неоднократно изображала её, и это, наверное, единственный случай, когда художница рисовала знаменитость, а не простых людей с улиц, с которыми не была знакома. «Парусные лодки в Руане» датированы 1933 годом, и, если исключить возможность авторской неточности в датировке, можно сделать предположение, что рисунок сделан в Москве по памяти или по наброскам, как вариант или воспоминание о работах французского периода, на которых были изображены парусные лодки. Одна из таких работ, выполненная в технике аппликации из шёлковых тканей, экспонировалась в 1931 году в Париже на выставке Салона независимых художников. Именно её оценил и приобрёл всемирно известный художник Поль Синьяк. Единственная работа из собрания ЮниКредит, которая является исключением из ряда французских работ А.Г. Кольцовой-Бычковой, это «Дама с каштановыми волосами». Этот небольшой выполненный в Москве и датированный 1938 годом лист стилистически очень близок работам «Парижского цикла», но в нём не осталось ни следа иронии, ни смеха. Эмоциональная и чувственная составляющие скрываются за красотой прохладного сдержанного стиля. В творчестве художницы закончился большой яркий период, прошла радость долгого путешествия и радость возвращения, она решительно меняет сферу творческих интересов: необъяснимо внезапно пропало желание заниматься декоративным искусством, которым до 1933 года она занималась всю жизнь. Чем это было вызвано? Можно только догадываться. С этого времени она много занимается живописью и всё чаще пишет небольшие, пронизанные солнечным светом декоративные натюрморты. В «Портрете дамы с каштановыми волосами» много грусти и, как будто, прощания с прекрасным прошлым, с бурной эпохой двадцатых.
